La funzione come prodotto della cultura del design

Mi imbatto per caso in un articolo online che affronta un’annosa questione: la differenza tra arte e design. L’autore fornisce due definizioni contrapposte:

Artista: qualcuno che esprime se stesso e basta. Non importa (o non dovrebbe importare) che ci sia chi lo ascolta o guarda quel che fa. L’artista deve tirar fuori da se stesso qualcosa e offrirlo al mondo, ne ha l’urgenza.

Designer: colui che pensa e disegna e, si spera, poi produce uno o più oggetti. Oggetto che deve sottostare ad almeno due condizioni:

  • Deve avere una funzione (a cosa serve?)
  • Deve essere venduto e deve permettere al designer e a chi lo produce (che non sempre sono la stessa persona) di farci dei soldi.

Non varrebbe la pena di evidenziare i diversi pregiudizi che si celano dietro a queste definizioni o elencare le numerose eccezioni che le inficiano ma, en passant, lo faccio comunque. Ci sono molti artisti che, invece di “esprimere se stessi e basta”, si sono fatti portavoce, attraverso la propria opera, di particolari minoranze. Altri hanno evidenziato le contraddizioni di alcune dinamiche di tipo sociale, tecnico o culturale, utilizzando il contesto artistico come medium in grado di mantenere un livello di ambiguità utile quando si affrontano questioni senza una soluzione univoca. Se si è inclini al romanticismo, si può anche tirar fuori l’idea secondo cui l’opera artistica è uno specchio dello zeitgeist, dunque un’espressione della cultura nella sua totalità in un dato momento storico.

Passando al design, vi sono intere correnti basate sul progetto di prototipi il cui scopo non è quello di essere prodotti, bensì di abbozzare possibili scenari che forniscono uno strumento di riflessione. Un po’ come accade per la fantascienza. Tuttavia, l’aspetto più grave è che tali definizioni producono indirettamente nei designer una posa sufficiente e a volte addirittura arrogante. Un atteggiamento che ho avuto modo di constatare spesso. Quando un progetto si colloca appena fuori dagli schemi – ad esempio non è fatto per essere venduto o comprato – viene definito “artistico”. Incluso in un ambito che viene considerato autoreferenziale e in fondo inutile.

In verità, tutto questo prologo mi serve per concentrarmi sul concetto di funzione. Relativamente a un’opera d’arte, la risposta alla domanda “a che cosa serve?” – domanda appropriata, a mio parere – è il suo senso, che non si esaurisce attraverso una spiegazione testuale, ma attraverso la rete di relazioni che sviluppa, le reazioni che provoca, il mutamento di prospettiva che produce. L’opera artistica ha dunque funzioni molteplici, il più delle volte non immediatamente intellegibili.

Allora cos’è la funzione secondo l’autore del testo e molti progettisti? Un sottoinsieme minimo del senso, una nozione utilitaristica che riduce il mondo a semplici rapporti di causa – effetto, problema – soluzione. La funzione, così intesa, non è un concetto a priori, bensì un prodotto della cultura del design. Essa serve a nascondere, ridurre e giudicare.

“Il design è parte del contenuto”

Su La Stampa, Giuseppe Granieri, riportando il pensiero di Tim Bray, Cory Doctorow e Natalia Karbasova, riflette sul senso del termine ‘contenuto’ e sulla forma mentis editoriale che esso produce. Giustamente sottolinea che “per ‘pubblicare’ qualcosa, oggi, serve integrare diverse competenze. Non basta più dominare il linguaggio espressivo (la scrittura, la composizione video), ma servono anche le competenze per gestire quelle che una volta sembravano mere technicality (design, interfaccia, programmazione).” 



A mio parere, è necessario trarre un’ulteriore conclusione. Se è vero che non esiste contenuto senza presentazione (o frame, come suggerisce Michael Bhaskar), bisogna tenere presente il modo in cui la presentazione riconfigura il contenuto e dunque decidere consapevolmente quale livello di compromesso accettare. Un paio di esempi: fino a che punto bisogna piegarsi alla logica del clickbait, ovvero la tendenza a scrivere titoli che invitano al click? È giusto cedere all’abuso di grassetto che ammicca al cosiddetto skimming, una lettura frettolosa alla ricerca di punti chiave?

Imperdibile, a proposito di clickbait, la serie di copertine fittizie Clicca il classico! creata da Eschaton.it. Eccone un paio.

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Out Now: From Print to Ebooks – A Hybrid Publishing Toolkit for the Arts

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[source: http://networkcultures.org/blog/publication/from-print-to-ebooks-a-hybrid-publishing-toolkit-for-the-arts/]

Download EPUB.

About this publication: This Toolkit is meant for everyone working in art and design publishing. No specific expertise of digital technology, or indeed traditional publishing technology, is required. The Toolkit provides hands-on practical advice and tools, focusing on working solutions for low-budget, small-edition publishing.

Everything in the Hybrid Publishing Toolkit is based on real-world projects with art and design publishers. Editorial scenarios include art and design catalogues and periodicals, research publications, and artists’/designer’s books.

About the authors: Digital Publishing Toolkit Collective, consists of: Marc de Bruijn, Liz Castro, Florian Cramer, Joost Kircz, Silvio Lorusso, Michael Murtaugh, Miriam Rasch, Margreet Riphagen and Pia Pol

Editors: Joe Monk, Miriam Rasch, Florian Cramer and Amy Wu
Images: Medamo and Kimmy Spreeuwenberg
Print design: Medamo and Kimmy Spreeuwenberg
EPUB design: André Castro
Cover design: Medamo and Kimmy Spreeuwenberg
Publisher: Institute of Network Cultures, Amsterdam
Supported by: SIA National Regieorgaan Praktijkgericht Onderzoek

ISBN 978-94-92171-00-9 (print)
ISBN 978-94-92171-01-6 (epub)

For background material, blog posts, videos and the software created within this Digital Publishing Toolkit project please visit: http://networkcultures.org/digitalpublishing/.

A couple of thoughts on *hyperlinearity*

Léna Robin is a graphic design student of the École des Arts Décoratifs, in Strasbourg, France. She is currently is investigating “non-linear publications in the age of Internet network” for her master thesis, so she asked me a few questions on the subject. I took the opportunity to write down a couple of ideas I had in mind for some time now. I opened up the comments’ section (why didn’t I do it before?) so feel free to let me know what you think!

Léna: And what I’m trying to find are non-linear books from actual production, which are influenced by the “post-internet area” we are living in. I mean, I wonder if the roles playing by the web, the internet and the hypertext (biggest networks in the world) can affect the way that artists and graphic designers create books and how it is possible to transpose the figure of the network in the book.

When I think of the current state of the Web, I have the impression that we inhabit an hyperlinear environment. It’s true, we can link and be linked back, but most of the contents of the Web seem to be subsumed by the linear structure of our social media feeds. The stream seems to be the most representative form of the internet nowadays. We follow the linear paths traced by search engines and social media algorithms, whose criteria are often opaque.

Recently, Michael Connor described on Rhizome what could be seen as a backward trend in online publishing: posting texts without hyperlinks or including just a few of them. He goes on explaining why hyperlinks matter:

Our web habits are changing, but there does seem to be something worth retaining in the idea that the hyperlink proposed: that we should acknowledge the interconnected, collective nature of our writings, the porousness of the boundary around each text.

More than an open door to sudden deflections, now the hyperlink seems to epitomize a literary perspective around texts as interconnected entities that it is not directly influenced by the internet. Here I think of Genette’s notion of intertestuality (By the way, I often just look at the URL of the hyperlink without clicking it).

One of the most radical promises of electronic literature was to break the linearity of literary works, a product of their traditional material form: the book. Artists and researchers in that field imagined a near future in which that the standard novel would have multiple reading paths chosen by the reader. A glimpse into this hope can be found in Writing Space, a book written by Jay David Bolter in 1991. No need to say that things didn’t go exactly like that: interactive fiction exists but it still belongs to the realm of experimentation. Softwares for interactive narrative like Twine are gaining popularity, but, at the same time, new devices like the Kindle Voyage work well only for linear content.

If not in hyperlinking, where do we experience non-linearity? You mentioned “post-internet”, a pretty fluid label that made me think of printed publications – like Junk Jet n°5 or O Fluxo – deliberately inspired and influenced by networked technologies. The aesthetics derived by such influence doesn’t seem to produce the kind of non-linearity we find in Queaneau’s Cent mille milliards de poèmes. On the contrary, these publications have linear structures, with a traditional table of contents, page number and so on. There is no emulation of hyperlinking. 1980s’ Choose Your Own Adventure books are way more adherent to such notion of non-linearity. When transposed to print, the aesthetics of the internet is reproduced thorough means of collage and juxtaposition. These techniques visualize the inner workings of platforms like Tumblr, where users build their own mood boards, by creating relationship between otherwise disconnected visual artifacts.

In general, I’d say that maybe non-linearity is not the most suitable category to look at contemporary internet aesthetics in print. On the contrary, some art influenced by the net – here I think of some projects included in the Library of the Printed Web – is about developing a linear, meaningful narrative out of the endless possible connections of this gargantuan database that make us feel overwhelmed. It is reassuring to know that there is only one possible choice. In this sense, the book still represents a comfort zone.